Ateneulivros

Marques D’Oliveira – Diário de Viagem (Espanha, Itália e França de Outubro-Dezembro 1892) – Livraria Figueirinha – Porto – 1955. Desc. 73 paginas + 13 Estampas de 23cm x 17cm «1 edição e com Palavras de Abertura de Joaquim Lopes»

Rolf g.Renner – Edward Hopper «1882-1967  Transformação Real – Taschen – Tradução casa das Línguas  – 2001 Germany. Desc.93 paginas 19cm x 23cm com capa e Encadernação de Origem

 

 

Edward Hopper (22 de julho de 1882 – 15 de maio de 1967) foi um proeminente americano realista pintor e gravurista . Enquanto a maioria popularmente conhecido por suas pinturas a óleo, ele era igualmente proficiente como um aquarelista e gravurista em gravura . Em ambas as suas cenas urbanas e rurais, suas representações de reposição e finamente calculada reflete sua visão pessoal da vida moderna americana Hopper nasceu em superior Nyack , Nova York , um centro de iate construção no rio Hudson, ao norte de Nova York. Ele foi um dos dois filhos de um confortavelmente bem de vida, família de classe média. Seus pais, principalmente de holandeses ascendência, foram Garret Henry Hopper, um comerciante de secos bens, e sua esposa Elizabeth Griffiths Smith.  Apesar de não ser tão bem sucedido quanto seus antepassados, Garrett desde bem para seus dois filhos com a ajuda considerável de sua esposa herança. Aposentou-se com a idade de 49.  Edward e sua única irmã Marion participaram ambas as escolas públicas e privadas. Eles foram criados em uma estrita Batista casa.  Seu pai tinha uma natureza leve, ea casa era dominada por mulheres: mãe de Hopper, avó, irmã e empregada doméstica. Seu local de nascimento e casa de infância foi listado no Nacional Registro de Lugares Históricos em 2000. Hoje a casa é o Edward Hopper Casa Art Center.  Ele serve como um centro comunitário cultural sem fins lucrativos com exposições, oficinas, palestras, performances e eventos especiais.  Hopper era um bom aluno na escola e mostrou talento na elaboração de cinco anos de idade. Ele prontamente absorvido tendências intelectuais de seu pai e amor de francês e russocultura. Ele também demonstrou o património artístico de sua mãe. Os pais Hopper encorajados a sua arte e manteve-o amplamente suprido com materiais didáticos, revistas e livros ilustrados. Por sua adolescência, ele estava trabalhando em caneta e tinta, carvão, aquarela, óleo e desenho da natureza, bem como fazer charges políticas. Em 1895, ele criou sua primeira pintura a óleo assinado, barco a remos em Rocky Cove . Ele mostrou seu interesse precoce em indivíduos náuticos.  Em seus primeiros auto-retratos, Hopper tenderam a representar-se como magro, deselegante, e caseira. Apesar de ser um adolescente alto e quieto, seu senso de humor travesso encontrado tomada em sua arte, por vezes, em representações de imigrantes ou de mulheres dominam os homens em situações cômicas. Mais tarde na vida, ele descreveu em sua maioria mulheres como figuras em suas pinturas.  No ensino médio, ele sonhava em ser um arquiteto naval , mas depois da formatura, ele declarou sua intenção de seguir uma carreira artística. Pais Hopper insistiu que estudar arte comercial para ter um meio confiável de renda.  Ao desenvolver sua auto-imagem e filosofia de vida individualista, Hopper foi influenciado pelos escritos de Ralph Waldo Emerson . Mais tarde, ele disse: “Eu o admiro muito … eu li-o uma e outra vez”.  Hopper começou seus estudos de arte com um curso por correspondência em 1899. Logo, porém, ele se transferiu para o New York Institute of Art and Design. Lá, ele estudou por seis anos, com os professores, incluindo William Merritt Chase , que o instruiu na pintura a óleo.  Logo no início, Hopper modelou seu estilo depois de Chase e mestres francês Édouard Manet e Edgar Degas .  Desenhando a partir de modelos vivos provou um desafio e um choque para o Hopper conservadora levantou. Outro de seus professores, o artista Robert Henri , ensinou vida da classe. Henri encorajava seus estudantes a usar suas artes para “fazer um movimento no mundo”. Ele também aconselhou seus alunos: “Não é o sujeito que conta, mas o que você sente sobre isso” e “Esqueça de arte e pintura de imagens o que lhe interessa na vida”.  Dessa forma, influenciou Henri Hopper, como bem como notáveis ​​futuros artistas Bellows George e Kent Rockwell . Ele os encorajou a imbuir um espírito moderno em seu trabalho. Alguns artistas no círculo de Henri, incluindo John Sloan , tornaram-se membros da “The Eight”, também conhecida como a Escola de Ashcan de Arte Americana .  primeiro óleo de Hopper existente pintura para sugerir a seus interiores famosos foi figura solitária numa Theater (c 0,1904).  Durante seus anos de estudante, ele também pintou dezenas de nus, naturezas mortas, paisagens e retratos, incluindo os seus auto-retratos.  Em 1905, Hopper conseguiu um emprego a tempo parcial com uma agência de publicidade, onde fez desenhos para cobrir revistas comerciais.  Muito parecido com o famoso ilustrador NC Wyeth , Hopper passou a detestar ilustração. Ele estava ligado a ele por necessidade econômica até meados de 1920.  Ele escapou temporariamente por meio de três viagens à Europa, cada um centrado em Paris, aparentemente para estudar a cena emergente de arte lá. Na verdade, porém, ele estudou sozinho e parecia principalmente afetado pelas novas correntes da arte. Mais tarde ele disse que “não se lembrava de ter ouvido falar de Picasso em tudo “. Ele estava muito impressionado com Rembrandt , particularmente suaGuardiões da Noite , que ele disse foi “a coisa mais maravilhosa de sua tenho visto, é passado crença em sua realidade “.  Hopper começou a pintar cenas urbanas e arquitetônicas em uma paleta escura. Então ele mudou para o isqueiro paleta da impressionistas antes de retornar à paleta mais escura com os quais ele estava confortável. Hopper disse mais tarde, “eu tenho mais que fazer as coisas e mais tarde em Paris eram mais o tipo de coisas que eu faço agora”.  Hopper gastou muito de seu tempo desenhando rua e cenas de café, e ir ao teatro e ópera. Diferente muitos de seus contemporâneos que imitavam as abstratas cubistas experiências, Hopper foi atraído para a arte realista . Mais tarde, ele admitiu que não há influências europeias que não sejam gravador francês Charles meryon , cujo mal-humorado Paris cenas Hopper imitado. Depois de voltar de sua viagem pela Europa, alugou um estúdio de Hopper em Nova York, onde ele lutou para definir seu próprio estilo. Relutantemente, ele retornou à ilustração. Ser free-lancer, Hopper foi obrigado a solicitar a projetos, e tiveram que bater às portas dos escritórios da revista e agência para encontrar negócios.  Sua pintura definhava: “é difícil para mim decidir o que quero pintar. Eu vou por meses sem encontrá-lo algumas vezes. Ele vem devagar “.  Seu colega ilustrador Walter Tittle descrito estado depressivo Hopper emocional em termos mais nítidas, vendo o seu amigo “sofrimento … a partir de longos períodos de inércia invencível, sentando-se por dias em um tempo antes de seu cavalete em infelicidade impotente, incapaz de levantar a mão para quebrar o feitiço. “ Em 1912, Hopper viajou para Gloucester, Massachusetts , para buscar alguma inspiração e fez suas primeiras pinturas ao ar livre nos Estados Unidos.  Pintou Squam Luz , o primeiro de muitas pinturas farol para vir.  Em 1913, no famoso Armory Show , Hopper vendeu seu primeiro quadro, Vela (1911), que pintou sobre uma anterior auto-retrato. Hopper era 31, e embora ele esperava que sua primeira venda levaria a outros em pouco tempo, sua carreira não iria pegar fogo por muitos anos vindouros.  Logo após a morte de seu pai naquele mesmo ano, Hopper se mudou para a Praça Washington apartamento no Greenwich Village seção de Nova York, onde ele viveria para o resto de sua vida. No ano seguinte, ele recebeu uma comissão para fazer alguns cartazes de filmes e lidar com a publicidade para uma empresa de cinema. Embora ele não gostava do trabalho de ilustração, Hopper era um devoto ao longo da vida do cinema e do teatro, tanto de que se tornou temas de suas pinturas. Cada forma influenciado seus métodos de composição.  Em um impasse sobre suas pinturas a óleo, em 1915, Hopper voltou-se para gravação , produzindo cerca de 70 obras, muitas das cenas urbanas de ambos Paris e Nova York.  Ele também produziu alguns cartazes para o esforço de guerra, bem como continuar com ocasional projetos comerciais.  Quando podia, Hopper fez algumas ao ar livre aquarelas sobre visitas a Nova Inglaterra, especialmente nas colônias de arte em Ogunquit, Maine , e Ilha Monhegan . Suas gravuras por volta de 1920 começou a obter reconhecimento público e expressou alguns de seus temas mais recentes, como na noite no trem El (casais em silêncio), Vento Evening (fêmea solitária), e O Catboat (cena náutico simples). Dois pinturas a óleo notáveis ​​desta época eram New York Interior (1921) e New York Restaurant (1922).  Ele também pintou dois de seus muitos “janela” pinturas por vir: Menina na Máquina de costura e Interior luar , que mostram uma figura (vestido ou nu), perto ou olhando pela janela de um apartamento ou visto de fora olhando para dentro.  Embora estes foram anos frustrantes, eles não passam completamente sem reconhecimento. Em 1918, Hopper foi premiado com os EUA Envio Conselho de Prêmio para o seu cartaz da guerra, “quebra o Huno”, e ele era capaz de exibir em três ocasiões: em 1917 com a Sociedade de Artistas Independentes, em janeiro de 1920 (a exposição de um homem só no Whitney Estúdio Club, que era o precursor do museu Whitney), e em 1922 (novamente com o Studio Whitney Club). Em 1923, Hopper recebeu dois prêmios por suas gravuras: oPrêmio Logan . da Sociedade de Chicago Etchers, eo WA Bryan Prêmio  Em 1923, subida lenta de Hopper finalmente produziu um grande avanço. Ele se encontrou com a futura esposa, Josephine Nivison , um artista e ex-aluno de Robert Henri , durante uma viagem de pintura de verão em Gloucester, Massachusetts . Eles eram opostos: ela foi curta, aberto, gregário, sociável e liberal, enquanto ele era alto, reservado, tímido, quieto, introspectivo e conservador. Eles se casaram um ano depois. Ela comentou famosa, “Às vezes, conversando com Eddie é como deixar cair uma pedra em um poço, exceto que ele não faz baque quando ele atinge o fundo”.  Ela subordinada a sua carreira ao seu e compartilhou seu estilo de vida recluso. O resto de suas vidas giravam em torno de seu apartamento walk-up de reposição na cidade e seus verões em South Truro em Cape Cod . Ela conseguiu sua carreira e suas entrevistas, era o seu modelo principal, e foi seu companheiro de vida.  Com a ajuda Nivison, seis de Gloucester Hopper aquarelas foram admitidos para uma exposição no Museu do Brooklyn em 1923. Um deles, The Roof Mansard , foi comprado pelo museu para sua coleção permanente, no valor de US $ 100.  Os críticos geralmente elogiado seu trabalho, um disse: “Que força, vitalidade e frontalidade! Observe o que pode ser feito com o homeliest assunto “.  Hopper vendeu todas suas aquarelas em um show one-man no ano seguinte e, finalmente, decidiu colocar ilustração atrás dele. O artista havia demonstrado sua capacidade de transferir a atração para a arquitectura parisiense de Americana urbano e da arquitetura rural. De acordo com o Boston Museum of Fine Arts curador Carol Troyen “, Hopper realmente gostei da maneira como estas casas, com suas torres e torres e varandas e telhados mansarda e ornamentos sombras maravilhosas. Ele sempre disse que a sua coisa favorita foi pintar a luz do sol do lado da uma casa “.  Em 41, Hopper finalmente recebeu o reconhecimento que merecia. Ele continuou a abrigar amargura sobre sua carreira, depois de recusar aparências e prêmios. Sua estabilidade financeira já garantiu, Hopper iria viver uma vida simples, estável e continuar a criar a arte em seu estilo distinto de quatro décadas. Seu Dois no corredor (1927) foi vendido por um recorde pessoal $ 1.500, permitindo Hopper para comprar um automóvel, que ele usou para fazer viagens de campo para áreas remotas da Nova Inglaterra.  Em 1929, ele produziu Chop Suey e Estrada de Ferro do sol . No ano seguinte, a arte patrono Stephen Clark doado pela Casa Railroad (1925) para o Museu de Arte Moderna , a primeira pintura a óleo que adquiriu para a sua coleção.  Hopper pintou seu último auto-retrato em óleo por volta de 1930. Embora ela posou para muitas de suas pinturas, Josephine modelado para apenas um retrato a óleo, pintura Jo (1936).  Hopper se saíram melhor do que muitos outros artistas durante a Grande Depressão . Sua estatura teve um aumento acentuado em 1931, quando os principais museus, incluindo oMuseu Whitney de Arte Americana e do Metropolitan Museum of Art , pagaram milhares de dólares por seus trabalhos. Ele vendeu 30 pinturas naquele ano, incluindo 13 aquarelas. No ano seguinte, participou do primeiro Whitney Anual , e ele continuou a apresentar em cada anual no museu para o resto de sua vida.  Em 1933, o Museu de Arte Moderna deu Hopper sua retrospectiva em larga escala em primeiro lugar. ^[ 43 ] Os Hoppers construiu sua casa de verão em South Truro, em 1934. Hopper foi muito produtivo através dos anos de 1930 e 1940, produzindo entre muitas obras importantes de Nova York Movie (1939), The Girlie Show (1941), Nighthawks (1942), Lobby Hotel (1943), e de manhã em uma cidade (1944). Durante a década de 1940, no entanto, ele sofreu um período de relativa inatividade. Ele admitiu: “Eu desejo que eu poderia pintar mais.Eu canso de ler e ir ao cinema “.  Nas duas décadas para chegar a sua saúde vacilou, e ele tinha várias cirurgias de próstata e outros problemas médicos. No entanto, na década de 1950 e 1960, ele criou várias obras mais importantes, incluindo First Row Orchestra (1951), bem como Morning Sun e Hotel por uma estrada de ferro , tanto em 1952, e Intermission . (1963)Hopper morreu em seu estúdio próximo ao Washington Square , em Nova York em 15 de maio de 1967. Sua esposa, que morreu 10 meses depois, deixou sua coleção conjunta de mais de três mil obras para o Museu Whitney de Arte Americana . ^[ 46 ] Outras pinturas significativas, por Hopper são realizadas pelo Museu de Arte Moderna em Nova Iorque, The Des Moines Art Center, eo Art Institute of Chicago .

Ruth Rosengarten – Compreender Paula Rego«25 Perspectivas» Coleção de Arte Contemporânea – Edição Publicação Fundação Serralves – Porto – 2004. Desc 166 paginas de 27cm x21cm com Capa de Encadernação de Origem

 

 

 

Oriunda de uma família republicana e liberal, com ligações às culturas inglesa e francesa Paula Rego iniciou seus estudos no Colégio Integrado Monte Maior, seguindo para a St. Julian’s School em carcavelos onde os professores cedo lhe reconheceram o talento para a pintura. Incentivada pelo pai a prosseguir o seu desenvolvimento artístico fora do Portugal Salazarista dos anos 50 partiu para Londres, onde estudou na Slade School of Fine Art, até 1956. Conheceu o pintor Victor Willing (1950–1999), com quem se casou em 1959. Entre 1959 e 1962 viveu na Ericeira. Numa ida a Londres, conheceu o pintor Jean Dubuffet, referência determinante na sua criação artística, usualmente definida como Arte bruta. Ao longo da década de 1960 assina exposições colectivas em Inglaterra e, em 1966, entusiasma a crítica ao expôr individualmente, na Galeria de Arte Moderna da então Escola de Belas-Artes de Lisboa. Na década de 1970, com a falência da empresa familiar, vende a quinta da Ericeira e radica-se em Londres. Torna-se bolsista da Fundação Calouste Gulbenkian para fazer pesquisa sobre contos infantis, em 1975, e figura com onze obras na exposição Arte Portuguesa desde 1910 (1978), dominado pelas colagens. Volta à pintura, mais livre e mais directa, retratando o mundo intimista e infantil, inspirado em dados reais ou imaginários, com figuras de um teatro de crianças de Victor Willing (o macaco, o leão e o urso), interpretando as histórias que Paula inventa. A obra literária de George Orwell inspira-a no painel Muro dos Proles (1984), com mais de seis metros de comprimento, onde estabelece um paralelismo com as figuras de Hieronymus Bosch. Dá uma viragem radical na sua obra com a série da menina e do cão. A figura feminina assume claramente a liderança na acção, enquanto o cão é subjugado e acarinhado. A menina faz de mãe, de amiga, de enfermeira e de amante, num jogo de sedução e de dominação que continua em obras posteriores. Tecnicamente as figuras ganham volume, o espaço ganha solidez e autonomia, a perspectiva cenográfica está montada. Em 1987, Paula Rego assina com a galeria Marlborough Fine Art, o passo que faltava para a divulgação internacional. A morte do seu marido, também nesse ano, é assinalada em obras como O Cadete e a Irmã, A Partida, A Família ou A Dança, de 1988. A convite da National Gallery, em 1990, vai ocupar um ateliê no museu e pintar várias obras inspiradas na colecção. Desse período destaca-se Tempo – Passado e Presente (1990–1991). Em 1994, realiza a série de pinturas a pastel intitulada Mulher Cão, que marca o início de um novo ciclo de mulheres simbólicas. Impõe a sua consciência cívica em Aborto (1997–1999), numa crítica ao resultado do primeiro referendo a essa matéria, realizado em Portugal em 1997. Inaugura a 18 de Setembro de 2009, a sua Casa das Histórias Paula Rego, que nasce com o intuito de acolher e promover a divulgação e estudo da sua obra. Das distinções que recebeu, salienta o Prémio Celpa /Vieira da Silva de Consagração e o Grande Prémio Soquil. Em Junho de 2010 recebeu da Rainha Isabel II a Ordem do Império Britânico com o grau Dama Oficial, pela sua contribuição para as artes.A par de Maria Helena Vieira da Silva, Paula Rego é a pintora portuguesa mais aclamada a nível internacional, estando colocada entre os quatro maiores pintores vivos em Inglaterra. Em 2011 recebe o Doutoramento Honoris Causa da Universidade de Lisboa.